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UNA CHARLA CON JUAN VICENTE CHULIÁ

Por Ulyses Villanueva el jueves, 23 de enero de 2020

Suena la Integral de cámara para piano y cuerda de Dvorák mientras espero a Juan Vi en La Quinta de Mahler. Hay un ambiente cálido en la tienda, los ruidos de la calle se mezclan con los compases claros y abiertos del compositor checo. Juan Vicente Chuliá (Valencia, 1967) ha dirigido tres largometrajes documentales sobre distintas expresiones artísticas y sus procesos creativos: Temperado, El Proceso y Danzantes. Llega puntual, muy abrigado y con una gorra calada que le protege ante las dentelladas del frío. Nos sentamos en la planta de arriba con la idea de tener una charla improvisada, sin preguntas pensadas ni un guion sobre los temas que vamos a tratar. Nos conocemos de la proyección del documental Danzantes en el Matadero y del encuentro Diálogos de Danza que tuvo lugar en la tienda hace algunas semanas. Quiero hablar con él sobre la necesidad del arte, sobre su mirada personal y creativa.  

Soy una persona muy visual y siempre he querido narrar en ese lenguaje. Pero hasta hace relativamente pocos años era difícil poder producir largometrajes sobre expresiones culturales por una cuestión de costes. Hoy, gracias a la digitalización, es algo que sí podemos hacer. Te pongo un ejemplo extremo: Ahora me llevo a Finlandia el dron en una maletita y lo lanzo a volar sobre Helsinki; hace 8 años ese plano costaba miles de euros por hora de alquiler de helicóptero. Así que todo ha ido confluyendo: el estar colaborando con diferentes disciplinas artísticas y que los costes de producción ahora son viables.

Pero toda búsqueda tiene un origen, un embrión, una forma aún no revelada que se agita hasta desprenderse de su intención.  

Siempre he estado interesado en el arte, la cultura y las manifestaciones artísticas. De hecho, desde mi llegada a Madrid, he estado muy relacionado con ellas. Quería vivir mi tiempo en esta ciudad, vivir el presente cultural, así que me parecía un privilegio absoluto, por ejemplo, poder sentarme con Luis de Pablo en su casa y poder hacerle preguntas sobre su música. El audiovisual era tanto un medio como una excusa para poder entrar en sus vidas y entender sus procesos creativos.  

Pero la cultura, cuando funciona, es también una rueda, un diálogo, donde uno genera un material cultural sobre otros, y ellos a su vez acaban implicándote en sus proyectos. Debido a ello estoy coordinando actualmente el Festival de Música Contemporánea de Madrid, por ejemplo. Cuando tratas con una disciplina como la música contemporánea, tan ignorada y que hace esfuerzos por ser reconocida y escuchada, y te ofreces a desarrollar un documental y tratar de generar visibilidad, es lógico que ofrezcan todo su apoyo.  

A partir de ahí comienza una búsqueda estética personal, de voz y de estilo, que intente reflejar las disciplinas artísticas, respetándolas y adaptándose a sus diversos lenguajes, mientras se intenta establecer un discurso y una textura coherente a lo largo de todo un documental. Ese equilibrio es difícil, pero es un reto muy interesante. 
 

Le pregunto qué distingue su mirada de otras, quién es tras una cámara.  

No lo sé (risas). Tengo una doble sensibilidad que trato de equilibrar: cuando me adentro en otras disciplinas lo hago sin ser un experto, y creo que es una mirada limpia, pues lo que intento es trasladar y compartir mi proceso de profundización en esos lenguajes a un gran público no especializado. Pero en el lado creativo me gusta tratar las escenas de un modo poético. Quiero que el espectador entre en una especie de viaje onírico y que el trabajo esté envuelto en una estructura poética, dejando en la superficie el mensaje, pero sumergiendo el lenguaje. Es un reto complicado porque son tensiones diferentes (Destaca a Wenders por su hálito poético en Pina y en toda su trayectoria).  

La música es un personaje fundamental en sus trabajos, la música casi como lugar, como representación de un paradigma. Y a un melómano no le puedes preguntar cuál es su música favorita sino cuál está escuchando en este mismo momento.  

Es fundamental e influyente, claro. Al empezar con mi primer documental sobre música contemporánea utilicé la música de los compositores entrevistados. Aún hoy, cuando acudo a un concierto, marco las obras que me gustan y que me sugieren ideas visuales. Me ha influido tanto en la textura final como en la forma de editar mis trabajos porque, como me decía muy bien Ramón Paús en su momento: “Lo haces al revés, utilizas la música y montas sobre ella, y lo que hace un director normalmente es montar y pedir a un compositor que haga una banda sonora que se adecúe a su montaje”. Al final se ha convertido no ya en un defecto sino en un rasgo de estilo.  

Y, en realidad, mucha de la música que escucho hoy en día se debe a las circunstancias y los contactos que establezco: por ejemplo, ahora estoy escuchando a un jazzista judío ruso que se llama Alex Rostotsky porque lo conocí en Rusia, donde ambos presentábamos documental. Un músico polifacético, que proyecta sus propios cuadros durante sus conciertos, y que me regaló un triple CD con sus obras... Estoy escuchando al compositor australiano Andrián Pertout porque, tras participar en Danzantes, me regaló toda su discografía y, por supuesto, asisto a todos los conciertos del COMA. Hace poco también acudí al concierto que ofreció Eduardo Fernández en el Círculo de Bellas Artes, que es uno de los grandes pianistas nacionales, y a otro concierto de piano estupendo que nos regaló Mario Prisuelos en la Real Academia de Bellas Artes. Por otro lado, colaboro en el Centro Conde Duque con EPOS Lab, un laboratorio música-palabra dirigido por Sergio Blardony donde trabajamos con poetas y compositores para generar conciertos escénicos: allí he trabajado con José María Sánchez-Verdú, Carolina Cerezo-Dávila, César Camarero, Trío Arbós… Así que la música me llega a través de mi trato directo y diario con los creadores.  

Danzantes
 es su último trabajo hasta ahora, un documental sobre las múltiples expresiones de la danza a través de un viaje por el mundo, un viaje espiritual donde el movimiento conecta un mismo lenguaje.  

Danzantes es un proyecto autofinanciado entre Es.Arte, la compañía EnClaveDANZA y yo, y por lo tanto es una propuesta personal que sin embargo tiene una clara vertiente internacional. Es un trabajo mucho más grande: grabado en 9 países, con primeras figuras de la danza española clásica y contemporánea, con una diversidad de estilos tremenda y una mirada sin prejuicio alguno. Hemos hecho un trabajo con la vocación de dignificar la danza en la gran pantalla buscando a su vez un impacto mediático, de público y con presencia en festivales. De hecho, ha obtenido ya nueve premios internacionales y ha sido seleccionado en más de una treintena de festivales. Eso, como es lógico, te da la confianza necesaria para seguir apostando por documentales sobre disciplinas artísticas.

Además, los procesos creativos son acumulativos: tras hacer largometrajes sobre música contemporánea, incorporé esta música al documental sobre danza. No es improbable que en un proyecto futuro sobre otra manifestación artística se acumulen capas y estratos de trabajos anteriores, porque forman parte del enriquecimiento de mi lenguaje personal y mis intereses.  

Hay un eco en esas palabras que pronto veremos reflejadas en otros proyectos, una necesidad vital por componer imágenes en torno a una idea visual y propia.   

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