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Passacaille | BARROCA | ESPAÑOLA (1 CD)

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Música en la Catedral de Jaén
Juan Manuel de la Puente


REF.: PAS 1037
EAN 13: 5425004810373
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Música en la Catedral de Jaén es una reedición en el sello Passacaille de la grabación que la Orquesta Barroca de Sevilla realizó en 2011 dirigida por Enrico Onofri y un reparto de primer nivel con María Espada, Marta Infante y Jesús García Aréjula. En esta ocasión el disco está dedicado íntegramente a la obra del compositor Juan Manuel de la Puente, uno de los más importantes maestros de capilla de la Catedral a principios del XVIII.

FECHA DE PUBLICACIÓN
04/06/2018

INTÉRPRETES
María Espada, soprano
Marta Infante, mezzosoprano
Jesús García Aréjula, barítono
Vandalia
Orquesta Barroca de Sevilla
Enrico Onofri, director


CONTENIDO
Juan Manuel de la Puente (1692-1753)

Salmo a 18 voces en 7 coros: Miserere mei, Deus (1726)

Tonada con violines a la Purísima Concepción: Lavanderita soy (1719)

Villancico de calenda a 10 voces en tres coros con violines a la Purísima Concepción: A dónde, niña hermosa (1734)

Cantata con violines al Santísimo: Del risco se despeña la fuentecilla hermosa (s.f.)

Cantata humana con violines trovada a la Santísima Trinidad: Con el más puro fervor (s. f.)

1 CD - DDD - 56:10

RESEÑA (La Quinta de Mahler)

El 6 de octubre de 1711 Juan Manuel García de la Puente, un joven seise de diecinueve años pero de prometedor talento, fue elegido maestro de capilla de la Catedral de Jaén tras unas disputadas oposiciones. Desde entonces y hasta su muerte en 1753, rigió el facistol de la seo giennense, formó a varias generaciones de músicos y dejó un impresionante legado que fácilmente superaría el millar de obras. De la Puente es un compositor objetivamente parangonable en fantasía, sensibilidad y originalidad a los más reconocidos maestros españoles de su generación, entre quienes se singulariza por su colorido y sonoridad. Con ocasión del tercer centenario de su llegada a la capital del Santo Reino, en 2011 se organizó una gira de conciertos que concluyó con una inolvidable velada en el propio coro de la Catedral de Jaén, donde el músico castellano trabajó más de cuatro décadas. Consecuencia de aquella iniciativa es esta grabación, que presenta los distintos perfiles compositivos de De la Puente, desde su lado más intimista y camerístico hasta su faceta más exuberante como compositor para varios coros. Se trata de cinco cuadros muy distintos entre sí pero que, en su variedad –y precisamente gracias a ella–, condensan las más notables características de su contrastada paleta creativa.

Natural de Tomellosa (Guadalajara), De la Puente adquirió su formación religiosa y artística en la Catedral de Toledo. Allí asumió tanto los fundamentos del estilo antiguo como los del nuevo lenguaje italianizante que rápidamente se iba extendiendo procedente de la cercana corte madrileña. Del De la Puente hombre principalmente conocemos lo que nos indican las Actas de Cabildo de Jaén. En 1716 se ordenó racionero y se le asignó una silla alta en el coro izquierdo de la catedral; vivía junto a su hermano Juan Francisco –también clérigo, como Juan Manuel– a escasos metros de la catedral, en la calle Pilarillos (actual Julio Ángel). Responsable y cumplidor, sobrio, sencillo y quizá hasta introvertido, De la Puente no gustaba de acompañar a los músicos en las salidas a parroquias y conventos, prefiriendo recluirse en la intimidad de su alcoba y dedicarse a la composición. Sus años en la capital giennense pasaron sin grandes conflictos entre exámenes a seises y músicos, informes sobre el estado de la capilla, referencias al cobro de sus rentas en metálico o especie y permisos –cuatro meses al año– para la composición de villancicos.

Este perfil un tanto plano en lo privado contrasta con su acusada personalidad artística, tal y como se transmite en los tres delicados volúmenes que reúnen su obra y que forman parte de una serie integrada originalmente por al menos nueve. De la Puente copió dos de los tomos conservados y supervisó la confección y organización del tercero; su simple contemplación resulta emocionante y denota, a través de sus múltiples detalles, el cuidado, esmero y amor que ponía en su trabajo. Pese a sus desvelos y dedicación, la fama de De la Puente en su época –y a ello pudo contribuir él mismo– parece que no pasó de lo estrictamente local, como así lo atestiguan las escasas copias de su música fuera de Jaén. Recluido en una ciudad de provincias, De la Puente exponía al Cabildo en 1751 sus más de “cuarenta años que le ha servido con continua residencia”. Suponemos que a lo largo de su vida mantendría contactos con colegas del entorno andaluz o castellano, o con antiguos compañeros seises salidos de la cantera toledana, ya convertidos –como él– en maestros de capilla, lo que le permitiría seguir estando al día de las novedades. Sin embargo, pensamos que fue precisamente su actividad en un foco periférico, alejado de los grandes centros, lo que le permitió forjar un lenguaje tan personal.

La producción conservada de De la Puente asciende a casi 300 obras y cubre su primer período creativo (1709-1735); sería de gran valor conocer su evolución estilística en sus años de madurez pero ello, a día de hoy, no es posible al haberse perdido al menos dos terceras partes de su música. En su mayoría, son obras paralitúrgicas en romance (villancicos, tonadas y cantadas sacras y profanas, de 1 a 12 voces), que constituyen un repertorio fundamental para el estudio de la recepción de la cantata en la Península Ibérica por sus novedades estilísticas y su temprana cronología en el ámbito catedralicio. De su producción latina sólo perviven siete muestras: un motete, una misa, un himno, una lamentación y tres salmos, uno de ellos un soberbio Miserere a siete coros, grabado aquí en primicia mundial. Tanto en sus obras de gran formato como en sus cantatas para solista, De la Puente exhibe un estilo propio donde ingredientes italianos e hispanos se integran y fusionan con singular genio hasta difuminarse y hacerse indiscernibles. Su tratamiento del bajón resulta insólito en la cantata europea de la época, ya que no se limita a doblar o sostener el bajo vocal o a engrosar la variable instrumentación del acompañamiento, sino que adquiere un protagonismo melódico verdaderamente reseñable, tanto en diálogo con las voces como en pasajes a solo abiertamente virtuosísticos. Son también características de su lenguaje el uso de progresiones y los efectos de eco y contraeco –tan de gusto español–, así como la combinación de secciones contrastantes en métrica, rítmica, tonalidad y plantilla y una amplia gama de recursos retóricos e indicaciones expresivas (media voz, sentido, andado, sentado, quedo, amoroso, fúnebre temblado, etc.).

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