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Anemos | CORAL | ESPAÑOLA | SIGLOS XX Y XXI (1 CD)

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precio

9,95 €

Mauricio Sotelo
De Oscura Llama


REF.: C33002
EAN 13: 8424562330023
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El sello Anemos se crea con el fin de capturar la enorme vitalidad de la escena musical contemporánea española. La iniciativa cuenta con el apoyo del INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música), y los elegidos para iniciar esta prometedora colección son Francisco Guerrero, Mauricio Sotelo, César Camarero, Jesús Rueda, Cristóbal Halffter y José María Sánchez-Verdú, con géneros que incluyen música de cámara, electrónica e incluso ópera.

Esta nueva colección nace por iniciativa del Ministerio de Cultura, que convocó un concurso para subvencionar la creación de un sello especialmente concebido para difundir la música contemporánea española por el mundo, optando finalmente, de entre los diversos proyectos en liza, por el presentado conjuntamente por dos compañías ya desde hace muchos años implicadas en promover la música clásica en y desde España, Diverdi y Glossa.

El nombre del sello, Anemos, hace referencia al dios griego del viento, aunque también sirve de homenaje a la obra de Francisco Guerrero del mismo nombre, grabada por cierto en el volumen dedicado a las obras de cámara del malogrado compositor andaluz por el Grup Instrumental de València.

Gracias a la conexión Glossa-Diverdi, el nuevo sello también se beneficiará de los siempre atractivos e innovadores diseños de Valentín Iglesias, que ha desarrollado un concepto muy especial para esta colección.

Los compositores retratados en las primeras seis entregas de Anemos -con la obvia excepción de Guerrero- han estado muy implicados en las nuevas grabaciones, como intérpretes ellos mismos o atendiendo a las sesiones. La enorme calidad de las obras merecía intérpretes del más alto nivel, y así, encontramos en estos discos nada menos que al Cuarteto Arditti, a la Orquesta Sinfónica de Lucerna, al Ensemble Residencias, al Grup Instrumental de València, a Taller Sonoro y al grupo Drumming de Miquel Bernat.


FECHA DE PUBLICACIÓN
25/06/2009

INTÉRPRETES
Arcángel, cantaor flamenco
Roberto Fabbriciani, flauta
Carlos Gálvez Taroncher, clarinete
Stefano Scondanibbio, contrabajo
Ensemble Residencias
Trío Arbos
Neopercusión
Mauricio Sotelo, director


CONTENIDO

Mauricio Sotelo (1961):

1. De Profundis (2'56'')
2. Soleá de la sombra (1'46'')
3. Rompe desde un abismo el sol (Seguiriya I) (7'30'')
4. Del amor oscuro (Seguiriya II) (4'22'')
5. Intermezzo I (Granaína) (1'38'')
6. De la espiral secreta (Soleá por bulería) - Impromptu I (à la Scondanibbio) (3'06'')
7. Bulería encendida (5'13'')
8. Intermezzo II (Matriz-Materia) (2'51'')
9. Martinete de medianoche - Impromptu II (à la NeoPerc) (5'54'')
10. De la llama oscura (3'25'')
11. Coral - Impromptu III (à la Fabbriciani) (4'07'')
12. Toná de mediodía (7'10'')

1 CD - DDD - 50'


RESEÑA (La Quinta de Mahler)

Una mirada otra… No es sencillo conciliar el magisterio de Luigi Nono, la comprensión analítica puesta al servicio de la escucha interior, la colaboración estrecha con intérpretes de primera fila como aliciente para la propia creación y la reflexión jonda en torno al inagotable universo del flamenco; Mauricio Sotelo a fe que lo logra, como ha quedado patente en la pasada edición del Festival de Alicante.
Germán Gan Quesada


Todos los que están

Desde el punto de vista del apoyo de las instancias oficiales a la creación musical en su vertiente discográfica, España está aún a años de luz con respecto a eso que, con culpable ligereza, suele denominarse nivel europeo. No se trata de equipararnos a Finlandia (lo que parece una utopía inalcanzable) pero sí sería exigible fijar el horizonte, cuando menos, en nuestra vecina Francia (¡bendito chovinismo!). La iniciativa del INAEM, auspiciando una colección dedicada a la música española reciente a través de un sello creado ad hoc con el nombre Anemos (obvio homenaje al prematuramente desaparecido Francisco Guerrero) no puede merecer sino parabienes, sobre todo de reparar en la calidad y elegancia formal de los seis volúmenes que componen la primera entrega de la serie, dedicada a otros tantos autores, en riguroso orden alfabético en la presente reseña. Se trata de discos monográficos que contienen, bien sea una obra completa (como en el caso de Sánchez Verdú o Sotelo), bien una recopilación orgánicamente estructurada de obras unidas por algún género de parentesco (como en el caso de Cristóbal Halffter el de Jesús Rueda) y que, sin otra excepción que la ya citada composición de Sánchez Verdú, se inscriben en ese límite, hoy ya un tanto difuso, que aún denominamos música de cámara. Todos ellos están a cargo de intérpretes que conocen perfectamente las obras, bien por haberlas estrenado, bien por ser sus dedicatarios, bien por su ejecutoria y su dedicación a ella. En casos concretos (Jesús Rueda y Miquel Bernat o Mauricio Sotelo y el cantaor Arcángel, por ejemplo) porque las obras han nacido de la más estrecha simbiosis creativa entre autor e intérprete, al extremo de poder hablarse casi de coautoría en algún momento concreto. Síguese de todo ello la altísima calidad del resultado musical aquí registrado. Por lo demás, todos los volúmenes contienen notas amplias y sapientes que presentan y estudian con eficacia tanto al autor como cada composición concreta en versión tetralingüe (inglés, español, francés y alemán), ilustradas con escasas pero muy sugerentes fotografías.
La música de César Camarero aporta un universo sonoro de serenidad casi Zen: música de un refinamiento tímbrico singular, sensualista, quebrada tan sólo por pequeñas turbulencias. Nueve piezas independientes que mantienen un hálito y un élan casi unitario integran el álbum, que se abre con la, ya famosa, Treinta y cuatro maneras de mirar un vaso de agua y que muestra el costado más intimista y evocativo del músico madrileño (y ya sevillano de adopción), su vertiente más directa y accesible que, incluso, no renuncia a pequeñas (y maliciosas) ingenuidades aparentes y rememorativas, desde el empleo del piano preparado casi à la manière de… hasta el diálogo entre fuentes diversas que alcanza una homogeneidad tímbrica llena de delicadeza, un universo casi onírico hecho de resonancias e insinuaciones.
Que Francisco Guerrero fué, de lejos, el músico más importante de su generación, es un aserto incuestionable. La selección de piezas aquí ofrecida agota todos los registros de su obra de cámara (solamente se echaría en falta la asombrosa Rhea, bien que su especialísimo organicum —doce saxofones— la aleje del conjunto al que se confía el disco, el veterano Grup instrumental de València), del Concierto de cámara a la excepcional Hyades y comprende, incluso, una composición tan poco frecuentada como Vâda, cuyas desusadas dificultades vocales han sido llevadas adelante consu solvencia habitual por Pilar Jurado y Jacqueline Squarcia. La cercanía (maridaje, incluso, en el caso de la citada Hyades) con la electroacústica es una de las cualidades más fascinantes de esta música aborrascada, punzante y llena de violencia enunciativa, enigmática y de abruptos contrastes de texturas. Como se sabe, Guerrero inauguró entre nosotros la aplicación de algoritmos matemáticos (de la topología y la combinatoria a los fractales) a la composición: pero se trataba, ante todo, de un músico, y el trabajo especulativo y matemático no era mecánicamente transformado en notas sino cuidadosamente elaborado con posterioridad en persecución de un resultado sonoro autosuficiente, capaz de justificarse por sí mismo. A estas alturas, la música de Francisco Guerrero ofrece una energía y una vitalidad casi visionarias, cuya belleza crece con el paso del tiempo.
Quizá lo menos divulgado de la obra de Cristóbal Halffter sea su música cuartetística, la más secreta, quizá también la más intensa, de la que aquí se presenta el primer volumen que abarca de las Tres piezas de 1955 —que anuncian ya un talento absolutamente personal, más allá de la obvias influencias del momento— a esa otra obra espléndida que es el sexto, pasando por el tercero, un trabajo sobre el silencio emparentado con la obra de Eduardo Chillida (pero quizá también con la de Jorge de Oteiza: tres visiones de una misma mística del espacio o, por mejor decir, de su vaciamiento). Todo el disco atestigua una maestría plena y un sentido de la materia y del tiempo musical que mantienen su tensión del primer compás al último en virtud de su idiomaticidad, su sentido tímbrico, su energía rítmica y la depuración de su escritura: urge completar cuanto antes la grabación del conjunto de los cuartetos para calibrar en toda su importancia este corpus verdaderamente excepcional.
La plena identificación entre Jesús Rueda y Miquel Bernat, creador y director del extraordinario grupo de percusión conocido como Drumming (un obvio homenaje a Steve Reich) ha generado un conjunto de composiciones para percusión que se agrupan en el cuarto volumen de la serie. Rueda es conocido, sobre todo, por su brillantísima ejecutoria orquestal, y estas obras nos acercan al lado más experimental de su escritura: música de imaginación sonora realmente singular que utiliza, empero, medios restringidos que van de los instrumentos convencionales y no convencionales (una formación de steel-drum en cinco octavas) al propio cuerpo del intérprete (y de ahí el título A flor de piel, la pieza que inaugura Pocket Paradise, la obra que da titulo al disco). Música desinhibida y directa en la que, de algún modo, se refleja, siquiera lejanamente, la vocación didáctica de su autor.
Gramma (Jardines de la escritura), ópera de José María Sánchez Verdú encargada y estrenada por la Bienal de Munich, tiene como escenario un libro que cada espectador encuentra sobre el atril que corresponde a su localidad (situada en un plano inferior al de los intérpretes), libro que contiene sugerentes dibujos de Mirella Weingarten y cuyas páginas debe pasar (y contemplar) según indicaciones que gobiernan la liturgia de la escucha. La dramaturgia nace de una música en el límite del silencio o el murmullo y de un poder evocativo casi hipnótico, a través de múltiples matices delicadísimos, y que contiene episodios memorables: la deploración de Venus (escena IV) renueva, desde perspectivas sonoras insólitas, la tradición del lamento operístico que nace en Monteverdi y llega hasta Puccini y que, hoy por hoy, supone (junto con el diálogo entre el Alma y el Esposo que concluía El viaje a Simorgh) el punto de más intenso lirismo de toda la obra del músico de Algeciras. ¿Disfrutaremos algún día en nuestro país de Gramma en su versión escénica?
La heterogeneidad caracteriza desde hace ya tiempo la producción de Mauricio Sotelo, a través de la superposición entre el cantaor y un fondo no autóctono con el que, sin embargo, acaba integrándose en una textualidad unitaria: más allá de su apariencia de collage, se trata de una música en que el análisis espectral del canto suministra la materia de ese fondo: y hay que alabar la sensibilidad y la justeza de Arcángel, acoplándose a un universo ajeno con el que establece una inestable relación que, bien que dividida en doce secciones, articulan un discurso unitario bajo el sugestivo título De oscura llama. Arcángel canta sabiendo que su cante se proyectará sobre un ciclorama sonoro en evolución en el que largas pedales conviven con ostinati de rigidez mecánica y casi obsesiva, y su voz adquiere así una cierta cualidad casi surreal: especial atractivo de una música que no deja de ofrecer perfiles que rozan lo inquietante.
Ciertamente, no están todavía todos cuantos componen el panorama de la composición española viva; sería difícil, habida cuenta de la riqueza, variedad y abundancia de nombres que abarrotan un catálogo ya de tres generaciones, pero sí puede afirmarse que todos los que aparecen en esta primera entrega justifican con creces su presencia. Bienvenida sea esta nueva serie, a la que no cabe sino desearle la más larga y fructífera continuidad.

José Luis Téllez

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